Los términos iconicidad y abstracción son palabras que no son muy usadas en la cotidianidad, sin embargo, en el área de diseño gráfico son muy sonadas. Así que, si estás leyendo esto y no eres diseñador, no te preocupes, ya verás que te sorprenderás al saber que son conceptos muy sencillos de asimilar porque la iconicidad y la abstracción están en todas partes.
Por eso, hoy desempolvaremos nuestros apuntes de iconicidad y abstracción en el diseño gráfico. ¡Acompáñanos!
¿Qué es la iconicidad?
Para definir qué es la iconicidad, hay que tener en cuenta que cuando un valor o significado del diseño es comprendido, compartido y acordado por un grupo de personas, se convierte en icónico. Sin embargo, si un diseño no puede ser reconocido ni comprendido, entonces parecerá arbitrario, como una obra de arte abstracta.
A veces se necesita tiempo para que un diseño se convierta en icónico. Pero incluso cuando un diseño es comprendido por una cultura, puede parecer arbitrario para otra. Incluso es posible que el valor previsto de un diseño sea malinterpretado o alterado por la influencia social.
Un ejemplo de iconicidad es la Estatua de la Libertad, ícono nacional de los Estados Unidos, que en su época fue un regalo de Francia. La idea original de la estatua era representar la amistad y el deseo mutuo de libertad entre los dos países. Sin embargo, con el paso de los años la estatua se ha convertido en mucho más.
Debido a la posición de la Estatua de la Libertad en el puerto de Nueva York, la estatua fue tratada como un punto de entrada y efectivamente la primera señal para los recién llegados a los Estados Unidos de América. Sin duda, la iconicidad está muy presente en este símbolo.
Hoy en día, la estatua sigue dando la bienvenida a millones de inmigrantes y encarna la esperanza y la oportunidad para aquellos que buscan una vida mejor. A pesar del "valor original" de la estatua, la gente de todo el mundo percibe su iconicidad como símbolo de libertad, esperanza y sueños.
Fuente: unsplash.
Grados de iconicidad
Hiperrealista
Valiendo la redundancia, el hiperrealismo es un arte más real. El grado de iconicidad hiperrealista es el grado que supera a la imagen natural, siendo así cada detalle más específico en esta imagen que en la original.
Fuente: pinterest.com
Realista
En este grado se puede decir que la imagen es exactamente igual a la que se busca representar, digamos que es como si fuese una copia de la imagen al natural.
Fuente: pinterest.com
Estilización
Este grado es el más parecido a la imagen original, con la excepción que se enfatizan los detalles de la original. Tiene un mayor grado de codificación, cambio de proporciones en el dibujo anatómico e incluso se modifican líneas para resaltar algunas zonas del diseño.
Fuente: pinterest.com
Geometrización
Estos diseños representan sus modelos originales a través de cada detalle, medida, proporción y escala. Este tipo de trabajo se debe llevar a cabo con instrumentos de alto nivel y precisión.
Fuente: pinterest.com
Abstracción
Llegamos al nivel de iconicidad más bajo en el diseño gráfico, en este diseño se representan las ideas, conceptos, pensamientos y sentimientos del objeto original. Se intenta representar la imagen al natural usando la menor cantidad de elementos posibles. Requiere un nivel muy alto de codificación.
Fuente: pinterest.com
Escalas de Iconicidad
La escala de iconicidad se clasifica en 11 niveles, cada nivel es de total importancia para un diseñador gráfico. Se ordenan de mayor a menor, siendo el 11 el más apegado a la realidad y el 1 el más alejado de la realidad, según Justo Villafañe.
Asimismo, Abraham Moles (1920-1992) definió 12 grados de iconicidad en 1971. Contribuyó a la epistemología de la comunicación, aunque es más conocido por sus trabajos en física acústica.
Esta escala de iconicidad clasifica los diferentes signos desde el grado más fuerte de analogía hasta el más abstracto. Esto permite clasificar los signos icónicos según su grado de estilización y simplificación.
La escala de iconicidad mide la distancia entre la realidad y su representación. Cuanto mayor sea el grado de iconicidad, más analógico será el signo, es decir, más cercana será su representación a su referente.
Imagen: ilustrandoenlaescueladearte.blogspot.com
11. La imagen al natural (también llamada imagen original)
Podemos decir que la imagen al natural es la copia del objeto que se representa. Contiene cada detalle, propiedades, colores y formas de la imagen original.
Fuente: arte factory.
10. Modelo en 3D a escala o tamaño real (modelo tridimensional)
Los modelos tridimensionales son esculturas realistas del objeto representado. Se intenta que sea exactamente igual pero en 3D, ya sea mediante el uso de programas de diseño 3D o a mano. Aunque no siempre tendrá exactamente los mismos detalles. Puede ser en proporciones realistas, en mayor o menor tamaño.
Fuente: Diario de Noticias de Navarra
9. Imágenes de registro estereoscópico - Hologramas
Son proyecciones que recrean imágenes en 3D por medio de láser, después de un proceso y con la iluminación correcta la imagen se sale de sus límites.
Fuente: pinterest.com
8. Fotografía en color
Este nivel es literalmente una fotografía del objeto original, representando así todos los aspectos en colores.
Fuente: arte factory.
7. Fotografía en blanco y negro
Tiene las mismas características que en la fotografía a color solo que sin color y representada en blanco, negro y escala de grises.
Fuente: arte factory.
6. Pintura realista
En estas escalas una pintura realista es una copia del objeto original, pero hecha generalmente con pinceles y pinturas sobre un lienzo. Se presentan las cosas tal y como son sin exagerarlas, intentando que cada detalle sea fidedigno al original.
A propósito, si deseas hacer un repaso por la propuesta de figura y proporciones de Andrew Loomis, ilustrador y animador norteamericano, descarga gratis la Guía de Dibujo desde cero para aprender a dibujar el cuerpo humano.
Fuente: arte factory
5. Representación figurativa del original (no realista)
Se usan figuras para representar ciertos aspectos de la imagen original, pero figuras no realistas. No tiene mucho nivel de similitud, aunque aún se pueden percibir detalles de la imagen al natural.
Fuente: arte factory.
4. Pictogramas
Aún sigue manteniendo características del modelo original, pero representando los detalles de formas abstractas. Es una composición bastante simple pero con símbolos que ayudan a comprender el original.
Fuente: EducaSAAC
3. Esquema motivado (mapas)
En este punto solo guarda una representación básica de la imagen original, se intenta representar los caracteres originales de formas gráficas y simbólicas.
Fuente: chelouve
2. Esquema arbitrarios (todas las características están abstraídas)
En esta parte las representaciones son esquemas arbitrarios y ya no muestran detalles, ni mínimos ni grandes del original. En este esquema ya nuestra mente piensa que la imagen no tiene ninguna lógica.
Fuente: chelouve.
1. Representación no figurativa (arte completamente abstracto)
Ya en esta última escala la imagen está completamente abstraída, los detalles se ven de forma ilógica, no se aprecia casi nada del objeto original. Aquí se usan colores, formas, conceptos, estructuras y texturas abstractas.
Una de las representaciones más usadas para explicar esto es la serie de once litografías del Toro de Picasso, una obra de arte de 1946. En ella se aprecia un toro que al principio se vuelve cada vez más musculoso y realista. Sin embargo, la tendencia se invierte. Paso a paso se va eliminando todo lo que no representa la esencia de un toro, cada dibujo subsiguiente se vuelve más simple hasta que la undécima litografía se convierte en un dibujo de líneas de un toro.
Fuente: chelouve.
La iconicidad en el Diseño Gráfico
Cuando hablamos de iconicidad en el diseño gráfico, hablamos de la semejanza que tiene una determinada imagen con el objeto o persona que esta imagen intenta representar. En otras palabras, es ese parecido que tiene la imagen con el objeto real.
Un diseñador gráfico tiene como meta transmitir mensajes y no sólo a través de textos, ya que se ha valido de la iconicidad para transmitirlos. No es de sorprendernos que los iconos puestos en empaques, aparatos eléctricos y señalética hayan roto fronteras y sean reconocibles a nivel mundial. Por ejemplo: los iconos de hombre y mujer que aparecen en todos los baños, cualquier persona de cualquier país puede reconocerlos.
El diseñador, a la hora de realizar sus trabajos, siempre necesitará recursos gráficos que tendrán un grado de iconicidad. El conocimiento de los conceptos de iconicidad le permitirán saber qué recurso de tal grado es conveniente para no generar desequilibrio y buscar una armonía gráfica que no distorsione el mensaje. Esto último, es contrario al arte debido a que este podría usar todos los grados de iconicidad en una sola obra y enviar múltiples mensajes en la búsqueda de generar reflexión y de evocar diferentes emociones en los espectadores de dicha obra.
Un diseñador gráfico nunca producirá una obra abstracta porque, al hacerlo, su trabajo dejaría de ser un diseño y pasaría a ser arte, y no debemos confundir el trabajo de un artista con el trabajo de un diseñador. Aunque ambos tienen ciertos conocimientos similares, los dos tienen diferentes objetivos y pasan por diferentes procesos. Es de resaltar que algo abstracto puede llevarse a un nivel determinado de iconicidad y transformarse en un icono.
Fuente: unsplash.
El diseño icónico como parte de un lenguaje visual
Los iconos, símbolos, metáforas y signos se utilizan en el diseño digital (como sitios web y aplicaciones) y en el mundo natural. Los vemos en forma de lenguaje escrito, señales de tráfico, interfaces de usuario y marcas, y todos ellos comunican un significado y un valor cultural dentro de un marco de iconicidad y abstracción.
Así, nos comunicamos utilizando diseños icónicos que son relevantes para algo que entendemos. Por ejemplo, la iconicidad la utilizamos a diario en nuestros emojis para transmitir una emoción o una reacción en nuestros mensajes de texto. Y cuando vemos una señal de stop, sabemos qué acción plausible debemos realizar a continuación.
La iconicidad en el diseño gráfico también puede utilizarse mediante señales visuales para hacer algo (como la manija de una puerta o el interruptor de la luz). El pionero de la UX, Don Norman, describe esta forma de diseño como "significante". Afirma que "el término significante se refiere a cualquier marca o sonido, cualquier indicador perceptible que comunique a una persona un comportamiento adecuado".
Los diseños icónicos pueden utilizarse inconscientemente como parte de un lenguaje visual que ayuda a ahorrar tiempo y memoria. Cuando la iconicidad en el diseño se utiliza con frecuencia, se arraigan en nuestra mente y se utilizan subconscientemente como parte de un lenguaje visual, una biblioteca infinita de símbolos y metáforas aprendidas.
Fuente: unsplash.
En el diseño de interfaces de usuario, el consumidor responde de forma natural a los íconos (también conocidos como iconografía) que representan objetos y significados del mundo natural. Por ejemplo, la lupa en nuestro celular. Al verla, percibimos inmediatamente este icono como una metáfora para buscar algo. La “casa” se utiliza habitualmente como señal visual para navegar hacia una página web. Y un bote de basura o papelera nos dice que podemos deshacernos de los archivos no deseados.
La iconicidad puede influir emocionalmente en nuestra reacción hacia una marca, producto o servicio. Por ejemplo, las calificaciones con estrellas son indicadores que suelen captar la atención del usuario e influir en su comportamiento de compra. Sin embargo, algunos diseños pueden ser menos percibidos que otros.
El botón de menú de hamburguesas, por ejemplo, puede parecer arbitrario a los usuarios novatos de la web. Según el portal DiarioInforme, fue creado por Norm Cox, el diseñador gráfico de la Xerox Star, la primera computadora personal comercial. Norm diseñó el símbolo como un contenedor para las opciones del menú.
Pero pocos saben de dónde proviene y qué representa. En este caso, la abstracción en el diseño de algunas marcas suelen carecer de claridad cuando se muestran solas o con poco contexto.
Al utilizar la iconicidad en el diseño gráfico como parte de un lenguaje visual que todos podemos entender, podemos tomar decisiones rápidamente, ahorrar tiempo y reducir la carga cognitiva.
Imagen: blog.aulaformativa.com
Las marcas globales y la iconicidad
La iconicidad en el diseño gráfico ha logrado un reconocimiento global, y esto ha funcionado ciertamente bien para gigantes como Apple, Google, Mercedes-Benz y Coca-cola. Pero para que una marca sea realmente icónica, tiene que llegar a su público en múltiples niveles.
El producto o servicio necesita un buen tono de voz, contar una historia apasionante, evocar emociones y ser memorable. A nivel visual, implica saber jugar con la iconicidad y la abstracción. Eso bien lo saben las marcas.
Algunas de las más exitosas y percibidas a nivel mundial se han convertido en imágenes icónicas por razones positivas. Apple es famosa por sus productos innovadores y de moda, como el iPhone y el iWatch.
Facebook es el lugar para las actualizaciones sociales, conectar con la gente e incluso cuando estás aburrido. El logotipo y la iconicidad de Facebook son una de las marcas más reconocidas del mundo, con un diseño relativamente simple y sencillo. Y Google ha tenido un gran impacto en la web con su iconicidad hasta el punto de que la gente utiliza la marca como término para buscar algo en línea. “¿Cuál es la capital de Australia?” “¡Guglealo!”, solemos decir.
Sin embargo, la reputación global de una marca también puede sufrir por las percepciones sociales negativas. A principios de 2018, el escándalo de datos de Cambridge Analytica influyó en que la gente se volviera aún más escéptica a la hora de relacionarse con las marcas de los medios sociales, en particular con Facebook. Las revelaciones de que los consultores digitales de la campaña de Trump abusaron de los datos de millones de usuarios de Facebook provocaron furor, explica The New York Times.
Recursos iconográficos de Flaticon
Para terminar nuestro recorrido queremos recomendar un buen lugar para encontrar los recursos iconográficos de diseñadores para diseñadores. Dicho lugar es Flaticon.com y a continuación te contamos un poco de él.
Fuente: Freepik Blog.
Flaticon es una gran base de datos de iconos simples (pictogramas) pero no es solo eso, hay mucho más. Además todos estos iconos están disponibles en formato vectorial (SVG y PNG) facilitando el uso de dichos iconos en dispositivos retina, y además cuentan con un plugin para Photoshop con el que quieren revolucionar el uso de iconos por parte de los diseñadores. Gracias a este plugin el usuario tiene acceso sin salir de Photoshop a una base de datos de más de 10 mil iconos vectoriales. El plugin se conecta directamente a la base de datos de Flaticon y se mantiene constantemente sincronizado.
Flaticon sin duda alguna es un excelente lugar para descargar esos iconos que necesitamos a la hora de hacer algún diseño de forma gratuita.
El mundo se desarrolla de forma vertiginosa y las tecnologías cada día hacen que las actividades sean más simples, el diseño no escapa de esto. Las cosas cada vez son más fáciles de entender y hay múltiples formas de acceder al conocimiento, por esta razón deberíamos tener una libreta de apuntes en todo momento.
¿Qué es la abstracción?
La primera vez que vimos una pintura abstracta, nuestra mente no tenía ni idea de qué era o qué quería decir. Después de la decodificación, investigación, observación e incluso de lo dicho por algún experto, logramos entender qué significaba determinado cuadro. En pocas palabras, la abstracción es un arte bastante complicado de decodificar para el público en general.
Ya hemos mencionado que la abstracción es el nivel más bajo de la iconicidad, pero ¿qué más podemos decir de la abstracción? La abstracción es una representación de ideas, pensamientos, conocimientos y conceptos. El nombre tiene su base etimológica en el latín "Abstractio" que significa aislamiento.
Valentin Gatica, artista visual Argentino y profesor del curso de Exploración artística: Encuentra tu estilo, nos comparte lo siguiente acerca de la relación entre iconicidad y abstracción:
“Por ejemplo, el artista René Magrite no pretendía representar objetos reales, sino la abstracción de su pensamiento sobre ellos. Cada representante del arte a lo largo de la historia hizo de su búsqueda artística un camino para profundizar en sí mismo y en sus cuadros que años más tarde los llevaron a ser iconos del arte”.
Fuente: unsplash.
Algunas características básicas de la abstracción son:
- Intenta llevar la menor cantidad de elementos posibles para representar un objeto predeterminado.
- Es muy mínimo en el detalle.
- Intenta simplificar al máximo todo hasta donde sea posible.
- Se requiere un alto nivel de dedicación.
- Rompe las proporciones.
- Utiliza las formas geométricas.
Grados de la abstracción
Sin embargo, la abstracción tiene varios grados que debes conocer y a continuación te los mostraremos.
Primer grado
El primer grado de la abstracción es conocido como la abstracción formal, en este grado se conoce la materia que forma a los objetos abstractos y así poder captarlos. Este grado corresponde mucho a la física, en la antigüedad era llamado ¨Physica¨.
Segundo grado
El segundo grado es la abstracción de la materia sensible, aquí se cuenta la cantidad, número o extensión de la materia que forma el objeto. En este segundo grado se emplea mucho la matemática antes que la física.
Tercer grado
El tercer grado se conoce como la abstracción de toda materia, en este grado se prescinde de todo tipo de materia, solo se conocen las realidades espirituales. No se usa ni la materia, matemática o física, sino solamente la metafísica o también la filosofía.
Iconicidad y abstracción
El siglo XX fue un verdadero punto de inflexión en la historia del arte, ya que fue un siglo muy productivo en experimentación. Esto hizo que los bordes entre la iconicidad y la abstracción alcanzaran su máximo esplendor.
La representación fue cuestionada por numerosos movimientos artísticos como el cubismo, el futurismo, el movimiento De Stijl, etc. Fernand Mourlot (1895-1988), impresor y litógrafo francés, acogió regularmente en su estudio a numerosos artistas, como Picasso, Matisse y Braque.
Un ejemplo de iconicidad y abstracción, el toro de Picasso. Para llegar a dibujarlo en una sola una línea, tuvo que pasar por todos los toros anteriores. Apenas alcanzas a imaginar el trabajo que tuvo que hacer. En el siguiente gráfico, puedes observar todos estos pasos de deconstrucción y simplificación de la forma y cómo el artista partió de una ilustración para llegar a un ideograma del toro.
Imagen: visualdsgn.fr
Hasta aquí nuestro post sobre la iconicidad en el diseño gráfico. Como te has podido dar cuenta, muchos artistas y diseñadores gráficos han explorado el poder de la línea para transmitir un significado e inspirar una respuesta emocional que ha permanecido en el tiempo.
Una vez que hayas reflexionado sobre todas estas cosas en tu mente, también tendrás que recordar que tendrás que ser abierto de mente, creativo, disciplinado y muchas cosas más. Tal vez sea momento de explorar algunos cursos de Diseño gráfico que te ayuden a profundizar en estos conceptos. Si te gustó nuestro contenido, compártelo. Esto ha sido todo por ahora. ¡Nos vemos pronto!