¿Qué significa dibujar “bien”? Ciertamente el dibujo es subjetivo, por eso, cuando lo evaluamos, tomamos en cuenta la función. No todos los dibujos deben ser anatómicamente correctos, tridimensionales, atractivos o complejos. Es un medio de expresión diverso y hay espacio para todos.

Cuando hablamos del dibujo en los cómics, seguramente nos imaginamos un estilo clásico de Marvel como John Buscema. Pero tenemos que cambiar esta idea. “Cómic” es una palabra que ya no está anclada al mercado norteamericano de los superhéroes: la popularidad del manga se ha masificado, las redes sociales han potenciado el webcomic, los servicios de streaming invierten cada vez más en adaptaciones de cómics subterráneos, introduciendo más dinero y atención sobre el rubro. Cada vez es más accesible para todos. Así que…¿qué esperas para empezar tu propio cómic?

Tal vez te preocupe tu nivel de dibujo. Ya sea que no tengas experiencia previa, o sientas que estás a medio camino, estoy aquí para probarte que ninguna de estas cosas deberían ser obstáculos en tu camino.

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Aprende en el camino

La primera novela gráfica de Bryan Lee O'Malley fue “Lost at Sea” en el 2003, y el siguiente año publicó el primer tomo de Scott Pilgrim. Si comparamos su nivel de dibujo en estas dos publicaciones con el último tomo de la serie (2010) podemos observar un crecimiento increíble.

Pero O’Malley no esperó a ser “suficientemente bueno” para empezar a publicar.

Se concentró en el guión, la narrativa secuencial y la atmósfera, pero mantuvo el arte a un nivel bastante simplista para poder producir rápidamente los libros. Cuando terminó ya no tenía que sobresimplificar cada dibujo, ya tenía el nivel y la experiencia suficiente para complejizar el arte y cumplir sus deadlines.

Páginas de Lost at sea (2003), Scott Pilgrim vol. 1 (2004) y Scott Pilgrim vol. 6 (2010).

Analiza tu plataforma

Trabaja alrededor de tus recursos. Si lo que quieres es hacer webcómics, por ejemplo, vas a tener que producir mínimo 2 o 3 tiras a la semana para crecer a un buen ritmo. Instagram se ha transformado en una excelente plataforma para esto, ya que podemos utilizar su formato 1:1 para mostrar una viñeta a la vez.

Te recomiendo que desarrolles un concepto capaz de viralizarse (una fórmula cómica es lo ideal); que hables de situaciones que generen empatía; y sobre todo, elige un estilo de “mínimo producto viable”. Si lo que buscas es hacer reír a las personas o formar parte de sus vidas cotidianas, un arte muy complejo podría ser no sólo innecesario, sino contraproducente.

Megg and moog de Simon Hanselmann

Webcomic name de Alex Norris

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Trabaja en equipo

Existen muchos equipos superpoderosos en la historia de los cómics. Por ejemplo Alan Moore y Dave Gibbons (Watchmen) o Takeshi Obata y Tsugumi Ohba (Death Note). Pero estos son equipos conformados por un miembro que dibuja y otro que escribe. También es posible colaborar entre varios dibujantes/escritores de formas menos binarias.

Por ejemplo, cuando trabajaron en Batgirl of Burnside, el equipo de autores conformado por Babs Tarr, Cameron Stewart y Brendan Fletcher colaboraban libremente en la serie. Stewart y Fletcher eran los responsables del argumento pero también incluían a Tarr en el planning (ya que ella tenía más dominio sobre los insights del personaje principal), Tarr era la encargada primaria del arte, pero los layouts eran hechos por Stewart (esto fue una estrategia para maximizar la fortaleza de cada uno: Tarr es excepcional dibujando personajes con estilo, pero Stewart domina la narrativa secuencial).

Si sientes que te falta experiencia o dominio sobre un elemento que impacte sobre tu historia, una movida genial es trabajar en equipo estratégicamente.

Layout de Cameron Stewart y página final de Babs Tarr. Luego, Batgirl de Stewart (arriba) y Batgirl de Tarr (abajo).

 

No te enfoques en lo que haces mal, sino en lo que haces bien

Por último, quiero compartir un aprendizaje de la industria del manga: “el problema como solución”. A veces podemos sentir que nuestro estilo exagera algunas características y evita otras, o no encaja con el dibujo “ideal, perfectamente anatómico” que tenías en mente, o genera comentarios extraños de las personas. Una opción viable que tenemos es cambiar lo que nos molesta.

Otra opción, igual de viable, es ver estos “problemas” como lo que nos hace únicos. La razón por la que existen tantos estilos de dibujantes de manga es porque abraza las imperfecciones de cada uno. Lo que hoy consideras tu “punto débil”, puede ser manejado estratégicamente, y convertirse en un marca personal.

Autores de manga con estilos severos: Ai Yazawa, Paru Itagaki y Hirohiko Araki.

Si todo esto falla, recuerda que Yoshihiro Togashi, el exitosísimo autor de HunterxHunter, ha pasado por muchas épocas de hiatus y burnout, donde sus dibujos se han visto afectados. En varias épocas sus entregas bisemanales a la editorial han tenido dibujos muy simples y dispersos, pero que aún así logran transmitir y avanzar el argumento.

Izq: página regular. Der: Página de hiatus

Podemos concluir, entonces, que podemos hacer y publicar cómics alrededor de nuestras capacidades como dibujantes. Cuando lo hacemos debemos concentrarnos en contras historias y comunicar ideas exitosamente. El dibujo es, y siempre será, sólo una herramienta para ello. Así que analiza tu situación, haz una lista de tus fortalezas y debilidades, y escoge el camino que más se adapte a lo que tienes, a lo que quieres y a tu historia.

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